telondefondo. Revista de Teoría y Crítica Teatral
telondefondo. Revista de Teoría y Crítica Teatral es una publicación del Instituto de Historia del Arte Argentino y Latinoamericano “Luis Ordaz”, de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires. La revista, dedicada a un espectro de lectores interesados, estudiosos y/o especialistas en temas teatrales, aspira a ser un espacio de diálogo e intercambio acerca de las múltiples perspectivas críticas y metacríticas de la escena actual
Facultad de Filosofía y Letras, Universidad de Buenos Aires
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Lo cómico y el humor en el sainete y el grotesco: análisis comparado de Los disfrazados de Pacheco y Mateo de Discépolo
Este trabajo analiza la transformación de lo cómico en humor en el teatro rioplatense de comienzos del siglo XX, a partir del estudio comparado de Los disfrazados (1906) de Carlos Mauricio Pacheco y Mateo (1923) de Armando Discépolo. Ambas obras representan, respectivamente, los géneros del sainete y el grotesco criollo, que convivieron en la escena teatral de la época. A partir de los aportes teóricos de Bajtín (2003) sobre la risa carnavalesca y el grotesco, y de Pirandello (1994) sobre el humor como sentimiento de lo contrario, se explora cómo el enfoque de la comicidad se desplaza desde lo colectivo y externo hacia lo individual y reflexivo. Asimismo, los estudios contemporáneos de Suárez (2021a; 2021b) permiten abordar esta transformación como un dispositivo. En Los Disfrazados, lo cómico se articula mediante el lenguaje y las situaciones festivas propias del carnaval; sin embargo, hacia el final, el conflicto adquiere una dimensión interiorizada. En Mateo, el humor surge de la tensión entre drama y comedia, atravesando los conflictos familiares y sociales con una mirada crítica y empática. Se concluye que esta deriva de lo cómico al humor refleja un cambio en la sensibilidad social y estética del teatro nacional.
Derechos de autor 2026 Gastón Amorin Alsina https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Pensamos el gesto como acto est/ético que desacomoda las expectativas del comportamiento. Dialogamos con la noción de "gestus social" de Bertolt Brecht y de "acto ético", de Mijaíl Bajtín. A través de casos situados este texto busca pensar la trama est/ética de gestos que emergen en contextos de violencia, como también en marcos artísticos, siempre apostando a su dimensión ética.
Derechos de autor 2025 https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Cuadernos de Picadero, XXI, 45. Caja de herramientas. Teatro para las infancias y adolescencias.
F@ust vers 3.0: Una (hi)storia del teatro y los medios
Este artículo propone una relectura del Fausto (1 y 2) de Goethe a través de una conceptualización teórica intermedial del teatro y la representación que defiende la dimensión histórica de la constitución intermediada de la percepción. Mientras que Goethe utiliza la leyenda fáustica para subrayar dos órdenes de conocimiento en competencia, por un lado, las maneras románticas, eléctricas y mefistofélicas de observar, y por otro, el orden clásico, literario y científico del conocimiento; el grupo catalán La Fura dels Baus traslada a la escena contemporánea el conflicto a la era digital en su traducción de la leyenda fáustica.
Intermedialidad en teatro y performance: definiciones, percepciones y relaciones mediales
Este artículo presenta una panorámica general del discurso sobre las relaciones entre las artes y los medios de comunicación a lo largo del siglo XX, con una mención especial a los conceptos de medialidad, multimedia, transmedia e intermedialidad. Se aborda el impacto del desarrollo tecnológico de los medios en la percepción de la audiencia, centrándose en el trabajo de Wagner, Kandinsky, Meyerhold, Balázs, Eisenstein, Brecht y el teatro y la representación contemporáneos. Se concluye con una apreciación personal sobre el estado actual del concepto y propósito de la intermedialidad.
Mapas teatrales de Buenos Aires: relevamiento, cartografía y derivas por teatros de la ciudad
En este trabajo realizaremos un mapeo y relevamiento de teatros de la ciudad de Buenos Aires, oscilando entre los que permanecen materialmente hoy en la ciudad junto a los que ya no. Nos proponemos cartografiarlos y traerlos al presente conjuntamente como parte de una misma historia, memoria y tradición escénica. Partiendo de la nueva geografía cultural, apostamos a reconocer la importancia fundamental del pasado urbano para el entendimiento del presente, como un terreno en continua reconstrucción simbólica y social. Por ello retomaremos dos casos de derivas (y sus respectivos mapas afectivos por el Microcentro y el Abasto) en las que el pasado teatral inmaterial se volvió, a la vez, permanente. La deriva entendida como herramienta teórica-práctica, pero también política, capaz de aportar otras narraciones colectivas posibles sobre lo urbano, dejándonos apropiarnos de los territorios que nos rodean de forma no neutral. Volver a mirar y transitar la ciudad, analizar y reconocer disputas y hegemonías pasadas devenidas dentro del espacio público, y desde allí atender a configuraciones urbanas y patrimoniales más actuales. De esta manera, la deriva, el mapa y el patrimonio serán los eslabones analíticos para articular una memoria teatral, urbana y vigente.
Enterrado pero vivo. Entero o a pedazos. Exhumaciones estético-políticas de un gallinero cultural
Para pensar el estado actual de nuestra cultura artística independiente con políticas de gobierno que limitan nuestros derechos de acceso a la cultura, puede ser útil pasearse por una escenografía pública de ayeres. Mientras acontecía la Guerra de Vietnam, casi 2 años antes del Mayo francés, 11 años después del bombardeo a Plaza de Mayo, 28 días antes de la Noche de los Bastones Largos, 3 días antes del inicio de la “Revolución Argentina”, 3 años antes del Cordobazo, 150 años después de la Declaración de la Independencia, 10 años antes de la dictadura atroz del ´76; se estrenó, el 1 de julio de 1966, Help Valentino. Con las actuaciones de Edda Díaz, Nora Blay, Antonio Gasalla y Carlos Perciavalle, nacía el café concert, en una habitación de un conventillo hace 58 años. El café concert permitió la convivencia de clases y poderes, así como la circulación de voces alternativas en un contexto de censura y dictadura. Concebido menos como un género teatral que como un espacio comunal de encuentro, hoy surge la pregunta: ¿sería viable pensar a partir de ese espacio otras coordenadas políticas y poéticas posibles para nuestra prácticas culturales? Otras temporalidades posibles, otros espacios, otras narraciones posibles.
Luces en la revuelta. Intervenciones audiovisuales en espacio público en Argentina 2000/2003
El año 2000 da inicio a una expansión de las intervenciones audiovisuales en espacio público en Argentina; en parte debido a un mayor acceso a dispositivos de proyección, pero también impulsada por la coyuntura socio-política y económica que movilizó a artistas, activistas e intelectuales a manifestarse en las calles. El presente ensayo profundiza en intervenciones realizadas entre los años 2000/2003 en la Ciudad de Buenos Aires —período en que sucedió una de las revueltas más significativas de la historia política del país— que fungieron como medio de interacción social y de apropiación simbólica del espacio público con fines ideológicos, estéticos y contraculturales. Analiza asimismo cómo el contexto político estimula o está enlazado a las cualidades de estas prácticas situadas; es decir, a sus procesos creativos (atravesados por una fuerte colectivización), y a sus cualidades estéticas, resultado de un efervescente estado de urgencia política.
"Hacer visible lo invisible": matrices de representación de las desaparecidas en acciones del grupo artivista Las Mariposas A.U.Ge.
En el siguiente trabajo nos aproximamos a las matrices de representación de les desaparecides utilizadas en las intervenciones artísticas de lucha por los derechos humanos: el uso de los carteles, las rondas y las siluetas. Para ello analizaremos las acciones de Las Mariposas A.U.Ge., colectivo artístico actual, y buscaremos tender lazos con las acciones de los movimientos de derechos humanos de la década de finales del ‘70 y ‘80, particularmente en dos acciones organizadas por Madres de Plaza de Mayo. Ante la imposibilidad de recomponer las vidas de les desaparecides, sin la certeza de su vida ni su muerte, se potencia la realización de acciones creativas entre el duelo y la denuncia.
"Nuestro carnaval de invierno": un estudio etnográfico de la Fogata de San Pedro y San Pablo (Buenos Aires, Argentina)
En este trabajo se propone un análisis de la Fogata de San Pedro y San Pablo, una fiesta popular callejera del Parque Avellaneda, en la periferia oeste de la ciudad de Buenos Aires (Argentina). El evento será analizado en su carácter de actuación cultural a través del lente de las ciencias antropológicas y de los estudios de la performance, destacando particularmente el rol de los artistas de teatro callejero en su organización y su vínculo con las políticas culturales que regulan la agenda pública del barrio.
La ciudad atrás de la ciudad. Performance, pasado y memoria en Buenos Aires
En este trabajo se propone que las obras que utilizan un espacio público reconocible de la ciudad como escenario abren, por su propia dinámica de representación, un espesor temporal a la historia y la memoria colectiva del lugar, a la vez que proponen deícticos compartidos que pueden colaborar en la construcción de la ciudadanía, entendida como un acto cotidiano, situado y político. A partir de “Un paisaje para mi” (Silvia Gómez Giusto y Aliana Álvarez Pacheco) realizada en el Museo Nacional de Bellas Artes y “Una obra más real que la del mundo” (Mujer Mutante) realizada en el Cementerio de la Chacarita se exploran las posibilidades de la representación en la entrecrucijada de espacios urbanos, ficciones y memorias.
Capas de la memoria: territorios de enunciación a partir de una intervención performática callejera
El artículo explora cómo la obra Streaming de la memoria de la Compañía de Funciones Patrióticas resignifica espacios del barrio de Almagro en Buenos Aires, transformándolos en territorios de memoria. El texto contextualiza el 24 de marzo como una fecha clave en la conmemoración del terrorismo de Estado en Argentina y examina cómo el colectivo interviene en lugares simbólicos del barrio, vinculando memorias barriales con la historia reciente. A través de una metodología Site-Specific y el enfoque de "Relato Situado", la obra involucra a los participantes en acciones de memoria, generando experiencias colectivas y afectivas. La metodología combina elementos de Investigación Acción Participativa y autoetnografía y el análisis busca explicar cómo estas intervenciones performáticas no solo visibilizan memorias ocultas, sino que también redefinen el espacio urbano como un "teatro expandido," donde lo cotidiano y lo político se entrecruzan. En conclusión, se sugiere que estas prácticas generan una "geopoética de la memoria," permitiendo a los habitantes experimentar el espacio público como un lugar de resistencia y reflexión histórica, donde el pasado se activa y resignifica en el presente.
Teatro, performance y ciudad: estéticas del habitar, lo común y la memoria
Introducción al Dossier "Teatro, performance y ciudad: estéticas del habitar, lo común y la memoria"
Porosidad de las fronteras entre géneros del carnaval uruguayo. El caso de murga Sing a Roos
Este trabajo propone problematizar las fronteras entre los géneros del carnaval uruguayo, expresados en la estructura de “categorías” que delimita el Concurso Oficial de Agrupaciones de Montevideo, a través del estudio de la murga joven Sing a Roos. Con este fin, se presenta una breve caracterización de la murga y el parodismo como géneros del teatro del carnaval uruguayo, seguida por distintos ejemplos de espectáculos carnavalescos de reciente puesta en escena que tensionan las fronteras entre géneros, tanto en el marco del Concurso Oficial de Agrupaciones como en el Encuentro de Murga Joven. Posteriormente se desarrolla un estudio del espectáculo Desvirtuado presentado en 2024 por la murga Sing a Roos. La estrategia metodológica incluye el audiovisionado de registros de su puesta en escena, un análisis del libreto, y una entrevista grupal a las personas que crearon el colectivo de la murga. Se considera también la evaluación del espectáculo realizada por el jurado del Encuentro. Se concluye que el espectáculo Desvirtuado juega con las fronteras entre géneros carnavalescos al incorporar tanto elementos estilísticos como recursos centrales del parodismo en un espectáculo de murga, y en este proceso, permite visualizar la porosidad de estos límites entre "categorías".
Derechos de autor 2026 Chiara Miranda Turnes https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
"Soy una coreógrafa y también una etnógrafa de la ciencia": entrevista con Emily Coates
En esta entrevista a Emily Coates, profesora de la Escuela de Arte Dramático David Geffen de la Universidad de Yale, nos comparte su enfoque innovador en el estudio de la danza y la física; reflexiona sobre los esfuerzos de formación dancística en lugares como México y Burkina Faso, en los cuales ha participado. Coreógrafa y bailarina, con una extensa carrera como artista escénica, Coates también ha contribuido a la literatura académica sobre danza y performance. En conjunto, su carrera destaca por su compromiso con la danza como una forma de arte y de conocimiento interdisciplinario.
Derechos de autor 2026 Ivonne Lujano Vilchis, Nazario Pescador Pereda https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Sarah Kane a los ojos de un antropólogo: desde la mente hacia el mundo
Cada una de las cinco obras de la dramaturga británica Sarah Kane constituye un paso más hacia el abandono de las convenciones dramáticas tradicionales: los personajes se desdibujan, la trama se disuelve y el lenguaje se autonomiza. Suele asumirse que se trata de un viaje literario desde el mundo hacia la mente que coincide con la intensificación de su depresión y culmina con su suicidio. Al dirigir mi atención a dos trabajos antropológicos filosóficamente inspirados que abordan la locura, exploro la plausibilidad de la contrahipótesis de que a lo largo de sus cinco obras se despliega un viaje desde la mente hacia el mundo.
Derechos de autor 2026 Aäron Moszowski Van Loon https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
La poética de la ruina en Dipo de Marcelo Bertuccio: fragmentación y vacío en la reescritura de la tragedia clásica
En este artículo analizamos la noción de ruina como principio estético y estructural en Dipo (2019), obra del dramaturgo argentino Marcelo Bertuccio. El drama constituye una reescritura contemporánea de las siete tragedias grecolatinas conservadas que abordan el mito de los Labdácidas. Desde el campo de los estudios de recepción clásica, examinamos cómo la condición de ruina de los textos antiguos pervive en la nueva obra. A través del análisis intertextual y del testimonio del autor, observamos que Dipo funciona como un dispositivo teatral y literario que no solo incorpora restos textuales, sino que los activa de manera creativa. La obra recupera todas las versiones antiguas del mito y las vincula, rompe los nombres de los personajes, desplaza la voz colectiva del coro griego, prescinde de las acotaciones presentes en las versiones con las que trabajó Bertuccio y elimina referencias antiguas, lo que da lugar a una poética de la ausencia, de la fragmentación y de la multiplicidad. Concluimos que la ruina opera en Dipo no como una pérdida, sino como una forma productiva que genera nuevos sentidos y legitima su inscripción en la serie de las reescrituras clásicas.
Derechos de autor 2026 Miriam Beatriz Rizzuti https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Fritzl Agonista: el límite de lo obsceno
Fritzl agonista (2025) de Emilio García Wehbi asume el desafío de representar y poner en escena los horrores que derivan del caso de Josef Fritzl, un ingeniero electrónico austríaco que abusó reiteradas veces de una de sus hijas mientras la mantuvo secuestrada veinticuatro años en el sótano de su casa. Su puesta en escena puede abordarse desde el concepto de lo obsceno tal como lo desarrolla Corinne Maier. Es esta noción la que permite caracterizar los procedimientos que habilitan la creación de imágenes bajo aspectos de lo monstruoso y lo irrepresentable que son el material con el que trabaja el espectáculo. Constituye, entonces, una estética de lo obsceno ya que opera en su construcción formal, pero también en el modo particular con que elabora el marco de expectación. Este se estructura mediante procedimientos de obra de sitio específico, en donde el trabajo singular con la espacialidad delimita el marco receptivo. Al concebir la obra como posdramática, según la caracterización de Hans-Thies Lehmann, se examinarán conceptos como lo liminal, la indecibilidad y la proliferación semántica del signo nociones que permiten organizar una lectura abierta, polisémica e inestable de sus significantes. Será gracias a la constitución de esta zona límite y su transgresión, a la zona de contradicción en el que se asientan las imágenes poéticas de la obra, que puede abordarse tanto la propuesta estética como la operación política de Fritzl Agonista.
Derechos de autor 2026 Fernando Luciano Manoni https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
‘Broyt mit teater’. Historia del teatro judío en Argentina. Paula Ansaldo (2023). Buenos Aires: EUDEBA, 320 páginas, ISBN 978-950-23-3412-7.
Reseña del libro de Paula Ansaldo: ‘Broyt mit teater’. Historia del teatro judío en Argentina.
Derechos de autor 2026 Vanesa Cotroneo https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
La rebelión de las ollas: ¿performance? de resistencia popular femenina frente al problema del hambre
Este artículo analiza la olla común como un acto performativo de resistencia popular, protagonizado históricamente por mujeres frente a las crisis humanitarias marcadas por el hambre. Se propone comprender la olla común no solo como una práctica solidaria de subsistencia, sino como una performance social en el sentido planteado por autores como Victor Turner y Diana Taylor, donde el cuerpo y la acción colectiva se inscriben como formas de memoria, denuncia y transformación social. La olla común se presenta así como una forma de agencia política que subvierte los mecanismos de exclusión del poder, no mediante la confrontación directa, sino a través de una organización comunitaria que revela, tensiona y desmantela simbólicamente las estructuras represivas y neoliberales que sostienen la precarización de la vida. En este contexto, el acto de cocinar y compartir se transforma en un gesto político que interpela al orden dominante, desenmascarando su violencia estructural y reconfigurando los vínculos sociales desde la solidaridad y la resistencia cotidiana.
Derechos de autor 2026 Claudia Andrea Cattaneo Clemente https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0
Hacedores de cultura. La huella de Don Quijote en la tierra de Martín Fierro. Volumen 12.
Reseña del libro Hacedores de cultura. La huella de Don Quijote en la tierra de Martín Fierro. Volumen 12, de M. N Koss (Luz Fernández Ediciones, 2024).
Aula-Teatro: nuevas didácticas contemporáneas para la producción del acontecimiento escénico-educativo
El presente artículo propone repensar las prácticas artístico-estéticas de los lenguajes escénicos contemporáneos, con el objetivo de formular un dispositivo didáctico-artístico, denominado el Aula/Teatro, el cual crea un interfaz interaccional entre el Acontecimiento Escénico y el Acontecimiento Educativo, fracturando fronteras entre el aula y el teatro al integrar convenciones, metodologías y lenguajes escénicos/pedagógicos. Este formato, compone desde sus múltiples dimensiones el valor que adquiere las artes escénicas contemporáneas, como núcleos investigativos con las prácticas pedagógicas, permitiendo la constitución de un fenómeno escénico-educativo, el cual, reconfigura los procesos, funcionalidades y aplicaciones de los elementos que los inscriben, produciendo un traslado bidireccional de ambos contextos, prácticas y agentes. Esta integración de fronteras disciplinares, estados y recursos, produce una transformación de: la función del docente-artista y del estudiante – espectador (receptor); del formato, contexto y atmósfera del aula-teatro (espacialidad y entorno); de los lenguajes, códigos, técnicas, estrategias y recursos didácticos-artísticos; del discurso artístico-estético vs. el contenido curricular y de la dramaturgia de la obra y estructura del encuentro pedagógico. Permitiendo a docentes, estudiantes y artistas indagar, experimentar y construir conocimientos desde contenidos curriculares y no curriculares, transformando los espacios, recursos y didácticas educativas desde el abordaje de estéticas, lenguajes y cánones artísticos.
Un coleccionista de cuarta. Análisis del personaje de Lupus en "El centrofoward murió al amanecer" de Agustín Cuzzani desde una perspectiva crítica
Un coleccionista tiene la vista puesta en los objetos, en sus datos más relevantes, en ser extravagante al categorizar sus colecciones. Si bien, puede haber una gran variedad de formas de coleccionar (y sin duda de objetos a coleccionar) el común denominador de ello es el carácter de la falta y el deseo que hace que las colecciones sean siempre incompletas. A su vez, la propia característica del objeto coleccionable limita el uso de estos, generando un espacio mágico a su alrededor que al profanarlo pierde sus propiedades. Este trabajo es un análisis del personaje de Lupus en la obra de teatro El centrofoward murió al amanecer escrita por Cuzzani en 1955, particularmente atravesada por los pensamientos de Benjamin y de pensadores contemporáneos como Agamben y Sarlo.
"De 1980 en adelante": un intento de escenificar el selfi de una generación
Inspirado por la alusión del dramaturgo sirio Saʿdallah Wannous a un espejo imaginario situado en el escenario, este artículo explora la forma en que la puesta en escena de la obra egipcia de 2012 De 1980 en adelante (1980 wa-anta taliʿ) funciona como analogía de este anhelo de Wannous. Al utilizar uno de los fenómenos más populares y cotidianos vinculados al progreso tecnológico de nuestros días, los selfis, el elenco de este espectáculo transformó el final de su actuación en un auténtico selfi. Antes de la finalización de cada representación se tomaban selfis colectivos que incluían a los espectadores, selfis que, posteriormente, eran compartidos en las páginas de las redes sociales de la producción teatral. El artículo examina cómo estos selfis no solo fueron esenciales en la promoción de dicho espectáculo teatral entre los jóvenes, sino que también resultaron significativos para la representación en sí. Se sugiere que los selfis reforzaron la sensación de que el escenario reflejaba las experiencias de los espectadores. Además, se argumenta que, de esta manera, estos funcionan como vehículo para trasladar “el clamor de una generación” –expresión utilizada tanto por el autor de la obra Mahmoud Gamal Hedeny como por el director del espectáculo Mohamed Gabr en relación con la producción– más allá del teatro, convirtiendo la representación teatral en un fenómeno de las redes sociales.
Análisis estético y dramatúrgico del lenguaje escénico de la compañía granadina Mitra Teatro
Desde su fundación en el año 2018, la compañía granadina Mitra Teatro ha estrenado seis espectáculos en los que se ha enfocado en introducir fuentes de inspiración clásica a través de un teatro contemporáneo y experimental. En el siguiente artículo se propone el estudio de los seis espectáculos hasta la fecha de la trayectoria de la compañía, con especial énfasis en sus tres montajes principales más representativos y representados: Panteros (2021), Cuerpos mutados a partir de Las metamorfosis de Ovidio (2022) y (re)Cuentos de la Alhambra (2023). Tanto en estos espectáculos como en los otros aludidos, se darán las claves estéticas y dramatúrgicas que definen a la compañía: el carácter ritual, la narratividad, la fragmentariedad, la interacción con el público, el eclecticismo teatral, el uso de la máscara, el teatro de títeres y objetos, el humor o la presencia de la música y la danza. De esta forma, se constatará la labor creativa de la compañía como partícipe del panorama teatral periférico y emergente de España en una región con un tejido teatral que exige mayor atención.
Los Real Games (Juegos de Verdad): un análisis y propuesta de método para crear danza interactiva para contextos domésticos
El presente ensayo forma parte de un proyecto de investigación artística y una obra llamados Real Games: Juegos de Performance para el Día a Día (2023), un podcast de danza interactiva, presentado y archivado en la Radio Relativa de Madrid. El estudio adopta las lentes de la teoría paralela, de la fenomenología y de la escritura performativa para analizar los métodos utilizados en el proceso de creación de la pieza en el contexto de la escena intermedial. El estudio presta especial atención a la imaginación como fenómeno cinestésico y el papel de la percepción física en la experiencia de las participantes de los Real Games. Como conclusión, el estudio comparte un método performático en formato de event score para crear partituras de danza interactiva para entornos cotidianos.
Una propuesta de espacio inmersivo: Punchdrunk, una compañía comprometida con el espacio transformador cierra filas con su espectáculo "Sleep No More"
En este trabajo se estudian las estructuras espaciales utilizadas por la compañía teatral Punchdrunk, entendidas como factor determinante en la búsqueda de una experiencia teatral única, en la que las fronteras entre el espacio, el intérprete y espectador se definen dinámicas y en constante transformación. En los montajes de la compañía, el público es libre y autónomo para elegir lo que quiere ver y dónde ir, generando así, en palabras de la propia compañía, su propia “narración épica dentro de mundos teatrales sensoriales”, con lo que se asegura que el viaje de cada asistente sea único y cada representación diferente. Antes de analizar uno de sus montajes, Sleep no more, este artículo presenta unos breves apuntes sobre la historia del teatro inmersivo, así como una descripción somera de lo que sucede en el cerebro del receptor de propuestas similares que consiguen un mayor carácter transformador frente al teatro convencional.
Perfo-talleres, espectáculos liminales: mi emancipación como facilitadora
Desde hace varios años he trabajado con los conceptos de performance y talleres de co-creación (Walmsley, 2013) como espacios sociales de discusión e intercambio (Lubicz-Nawrocka, 2019; Matarasso, 2019). En dichas dinámicas he analizado a lo largo del tiempo, a través de la observación, focus groups con participantes y relatorias colaborativas, la interactividad entre las participantes como co-creadoras de escena y mi emancipación como directora y facilitadora. Asimismo, con este estudio reflexiono sobre: las relaciones de poder que se establecen; la relación con el espacio y la ruptura del modelo de “teatro a la italiana”; lo inmersivo y experimental de la creación artística de un proyecto performático-instalativo y cuyo resultado es desconocido para todo el mundo; y el uso de elementos tecnológicos e individuales para la construcción de espacio y atmósferas. Así estos perfo-talleres que propongo, liminales entre taller y performance, se convierten en espacios políticos donde las participantes exploran en la empatía, la inclusión, la resiliencia y la creatividad.
Presentación de: "Procesos de creación y comunicación escénica: intermedialidad, inmersividad e interactividad"
Reseña del libro de María Paz Gallardo (2023) Teatro, escuela y masculinidades.